ATELIER 2 : XVIe-XVIIe

Responsables de l’atelier

Sophie Lemercier-Goddard
ENS de Lyon
sophie.lemercier-goddard@ens-lyon.fr

Rémi Vuillemin
Université de Strasbourg
vuillem@unistra.fr

Mathilde Alazraki
INALCO
mathilde.alazraki@hotmail.fr

AURA SOLTANA AND/OR IPOLITA THE TARTARIAN: GIRLS FROM CENTRAL ASIA AND THEIR ROLE IN THE DIPLOMATIC WORLD OF ELIZABETHAN ENGLAND

Abstract

Early modern people travelled because of goods, in the hope of securing lucrative business opportunities, but goods also travelled because of people, such as when company agents brought items from the East back with them to England. These objects were bought for their material value, such as silk and other expensive fabrics, but sometimes these souvenirs were also living curiosities: exotic human pets forcefully brought to England as spectacle. These people were traded and transported alongside other commodities through increasingly globalised networks between Europe and the empires of the East. Among these living curiosities, two girls coming from/and or associated with the Central Asian region of Tartaria appear in the archives: the first is a slave girl named Aura Soltana, acquired by Anthony Jenkinson, captain for the Muscovy Company, during his travels; the second is Ipolita the Tartarian, a young girl in Queen Elizabeth I’s entourage.

According to early modern specialist Bernadette Andrea, the two girls are the same person: a slave bought by the Muscovy Company under one name and later baptized under another, offered as a gift to the English Queen in the hope of securing royal support for more Muscovy Company expeditions toward the East. An exploration of these two mysterious figures will highlight their role as living commodities made to bridge the gap between Elizabethan England and Central Asia in the second half of the sixteenth century.

Biographie

Mathilde Alazraki, ancienne élève de l’École Normale Supérieure Paris-Saclay, est docteur en études anglophones et PRAG à l’Institut National des Langues et Civilisations Orientales (INALCO) à Paris. Elle a obtenu son doctorat à l’Université Paris Cité, au sein du laboratoire LARCA (UMR 8225, CNRS). Sa thèse, soutenue en 2023 sous la direction de Mme le Professeur Ladan Niayesh, porte sur le rôle des femmes dans les relations diplomatiques entre l’Angleterre et l’Orient à la Première Modernité (« Women and Diplomacy between England and the East during the Early Modern Period (1558-1676) »).

Fanny Blanchon
Académie de Bordeaux
fanny.lewis@outlook.com

“… ET SE SIBI VINDICAT ORBIS”: ECCENTRICITY AS THE ART OF OVERREACHING IN BEN JONSON’S MASQUE NEWS FROM THE NEW WORLD DISCOVER’D IN THE MOON (1620)

Abstract

The overreaching of narrative, lexical, and generic boundaries is artfully displayed in Ben Jonson’s running masque entitled News from the New World Discover’d in the Moon, first performed at the court of James I in 1620. Critics have extensively commented on Ben Jonson’s treatment of “news”. Research has also thoroughly established the text’s debt to antiquity in Jonson’s use of the topos of the voyage in the moon, while occasionally attempting to assess Jonson’s position in the context of the so-called Copernican Revolution. Yet, it seems to us the latter subject deserves more of our attention, in particular relative to the concept of eccentricity. In early modern England, eccentricity is commonly referred to as the distance between two centres. Under the impulse of Johannes Kepler’s studies, it comes to define the elliptical course of planets, and with Galileo Galilee’s findings in the same period, eccentricity extends its original meaning to designate the multiplication of possible planets, therefore the multiplication of centres. The purpose of our presentation is not to unequivocally assert Ben Jonson’s commitment, or lack thereof, to a system, but rather to demonstrate to what extent News from the New World could read as a vindication of eccentricity in its metaphorical sense as the expression of a person’s singular ethics, including the author’s. First, we will examine “news” as the point where both understandings of eccentricity, original and metaphorical, overreach. This will lead us on to consider the text in its hyperbolic nature and characterisation; hyperbole being defined by George Puttenham in his Arte of English Poesie (1589) as “the Overreacher”. Finally, as one meaning overreaches the other, creating lines of convergence and divergence, we will investigate how the effect of perspective generated by these lines participates in creating a sense of inevitability in the presence of eccentricity as a harmonising movement to strengthen regal power.

Biography

Fanny Blanchon holds a PhD in early modern English literature. Her thesis, which she successfully defended in June 2022, is entitled “Representations of eccentricity in Early Modern England” and was prepared under the supervision of Professor Catherine Lisak at the Université Bordeaux Montaigne. She specialises in the way the notion of eccentricity was received as a scientific phenomenon, how this reception translated into early modern English literature, with an emphasis on royalist literature, and how eccentricity as a social phenomenon was staged and developed to further qualify as a feature of madness and humour. Fanny Blanchon has presented papers at various events to further her analysis of eccentricity as a social phenomenon : she took part in the “Doctoriales de la Société Française Shakespeare” in March 2017, and again with the doctoral students and young researchers of the SFS in January 2024; she studied “the cultural implications of black humour at court” in Twelfth Night as part of an international conference entitled “Black Humour on the Early Modern English stage” in 2019; she also presented a paper in 2022 during a multidisciplinary event exploring the notion of consent, which led to an article entitled “‘I wonder at your courage, said he’ : negotiating female consent in Assaulted and Pursued Chastity (1656) by Margaret Cavendish (1623-1673)” (in French) – to be published in the coming spring.

Cécile Decaix
Université Paul Valéry – Montpellier 3
cecile.decaix@univ-montp3.fr

ARDEN OF FAVERSHAM : DU QUARTO 3 (1633) AU SPECTACLE DE MARIONNETTES D’HENRY COLLYER (1739)

Résumé

En 1739, Henry Collyer, marionnettiste et propriétaire de « Lilliputian Poppets », publie son A Short Account of Lord Cheyne, Lord Shorland, and Mr. Thomas Arden, récit dans lequel il décrit le mode de production de son adaptation de la pièce anonyme Arden of Faversham (Q1, 1592) pour le théâtre de marionnettes. Pourtant bien connue de ses contemporains (la pièce est régulièrement jouée par des acteurs comme par des marionnettes), Henry Collyer prétend vouloir offrir à son public une version nouvelle de la tragédie domestique Arden of Faversham, qui aurait été écrite, selon ses dires, environ 150 ans auparavant. A Short Account est un récit foncièrement hybride, qui s’inscrit à la frontière entre réalité et fiction, récit et répliques théâtrales, littérature et mise en scène. Il reflète un déplacement d’un type de théâtre (pour acteur) à un autre (pour marionnettes). Fortement inspiré du Q3 de Arden of Faversham (1633) (Catherine Richardson, « ‘Scene of the Murder’ » : Arden of Feversham and Local Performance Cultures », EMLS Special Issue 28, 2019), la version de Collyer opère également un déplacement au niveau du style et de l’action : il déplore les approximations et le style d’Arden of Faversham (« when it was wrote , it was done by several mean Hands, for the lowest ruffianly Parts speaks in the same stile as the best Characters ») et la qualité médiocre des pièces pour marionnettes de ses contemporains, qu’il juge ignorants. Il met un point d’honneur à offrir à ses spectateurs un texte élaboré.

Cette communication visera ainsi à explorer les déplacements dramaturgiques, scéniques et stylistiques opérés par Collyer, et à analyser la manière dont ce récit apporte un éclairage sur les pratiques marionnettiques des XVIIème et XVIIIème siècles, puisque très peu de témoignages directs de la période nous sont parvenus.

Biographie

Cécile Decaix (Université Paul Valéry – Montpellier 3, RIRRA 21) est chercheuse dans le cadre d’un post-doctorat au sein du programme ERC PuppetPlays (Horizon 2020/ERC GA 835193, porté par Didier Plassard). Pour ce projet, sa recherche s’articule autour des pratiques marionnettiques du début du XVIIIème siècle, dont très peu de témoignages nous sont parvenus. Elle s’attache à analyser la transmission et la réception d’œuvres théâtrales du XVIème siècle et de la matière mythologique dans le théâtre de marionnettes de 1710 à 1739. Elle travaille également sur William Caxton, imprimeur et traducteur de la fin du XVème siècle, et analyse son rôle actif dans la circulation et la réception de textes antiques et médiévaux en Angleterre à l’époque Tudor. Son doctorat, mené sous la direction de Jean-Christophe Mayer et soutenu en 2019, portait sur l’Eneydos de Caxton (1490) – la première traduction en anglais imprimée de l’Énéide de Virgile – et plus particulièrement sur la figure de Didon. Elle s’est récemment formée à l’encodage XML-TEI afin de participer à la création de l’anthologie en ligne initiée par PuppetPlays. Ses projets incluent la réalisation d’une édition numérique d’Eneydos.

Anne-Valérie Dulac
Sorbonne Université
avdulac@gmail.com

TATTOOED BODIES FROM THE PAST & FROM AFAR: SHIFTING BORDERS

Résumé

My paper focuses on a series of watercolour drawings of tattooed Picts, Indians and Inuit dating from the last quarter of the 16th century by Jacques le Moyne de Morgues (ca. 1533-before 1588), Lucas de Heere (1534-1584) and John White (ca. 1540-ca.1593). Although there is only little evidence that the Picts were covered in tattoos, the alleged etymology of their very names (from classical Latin pictī, plural of the past participle of pingere, paint) as well as most pictures produced in 16th-century England represented them as wearing nothing but head-to-toe colourful tattoos. Strikingly enough, images of the naked and tattooed bodies of imagined Ancient Britons sometimes appeared alongside pictures of the partially naked bodies of tattooed and/or painted men and women from the ‘New’ World (North Carolina Algonquians and Inuit from Baffin Island in the present paper). Pictures of tattooed Algonquians and Inuit were either produced by limners during and following expeditions (to Florida and Virginia) or in London, whenever men, women and children from these new lands were forcibly removed from their homeland to be taken back to Europe. 

My contention is that these painted bodies, belonging to either the past or a newly discovered world, may have aroused mixed emotions in the English audience. Yet the obvious parallel thus drawn between the Picts and the natives contributed to demonstrating that, in the words of Thomas Harriot, in 1590: « the inhabitants of Great Britain have been in times past as savage as they were ». The juxtaposition of these tattooed bodies, bridging times and worlds apart, offers perhaps yet another instance of the shifting border between “savage” and “civilised” bodies. For all their extreme distance from Elizabethan England, these painted bodies suggest multiple forms of “crossing”—materialising as they do the crossing of bodily, chronological, geographic and racial borders. I will also be looking into the way the very medium for these pictures (the use of specific watercolour techniques and a wide-ranging selection of pigments which I will be analysing) contributes in no small part to the many displacements which these striking images may have emerged from and brought about in such spectacularly colourful fashion.

Biography

Anne-Valérie Dulac is Senior Lecturer in Elizabethan Studies at Sorbonne Université. Her research interests cover limning and limners in early modern England, the rendering of iridescence and lustre in early modern watercolour, as well as animal-made supports (vellum, wax, ivory) for small-scale portraiture in Elizabethan and Jacobean England. In 2021-2022 she was awarded a short-term fellowship at the Maison Française d’Oxford to work on the poem and miniatures in George de la Mothe’s Hymn to Elizabeth I (Bodleian Library MS. Fr. E. 1), as well as a grant from the Institut Français de Stockholm to work with Cecilia Rönnerstam on the Nationalmuseum’s collection of miniatures (which will lead to a seminar on the circulation of techniques and terminology between early modern limners).  She has just been appointed a member of the team of the ERC project « Chromotope » (https://chromotope.eu/) to co-organise two international conferences on the materiality of colour in Oxford and Paris (2023, 2024).

Pauline Durin
Université Clermont-Auvergne
pauline.durin@uca.fr

LE THÉÂTRE DU CONFINEMENT FÉMININ : LA DISTINCTION ENTRE ESPACE PRIVÉ ET ESPACE PUBLIC COMME FRONTIÈRE GENRÉE

Résumé

Selon Phyllis Rackin, une distinction entre le foyer et le domaine public, déjà installée au Moyen-Âge, s’est confirmée pendant la première modernité pour devenir genrée. Au théâtre, la frontière entre l’espace privé et l’espace public devient bientôt infranchissable, transformant un lieu domestique en véritable prison pour les femmes. Celles-ci tentent d’investir l’espace public, mais cette transgression implique de nombreux dangers, nous amenant à reconsidérer l’espace intérieur comme un refuge pour elles. Le seuil des maisons devient alors liminal, une frontière à la fois spatiale et genrée qui incarne une transgression féminine des normes patriarcales.

Grâce à l’étude de The Taming of the Shrew de William Shakespeare (1594), The Roaring Girl (1611) de Thomas Middleton et Thomas Dekker, The Duchess of Malfi (1612-1613) de John Webster et The Tamer Tamed (1647) de John Fletcher, nous verrons dans quelle mesure la notion de « frontière » entre les espaces publics et privés dans le théâtre de la première modernité s’avère poreuse. Il s’agira tout d’abord d’étudier le seuil des maisons comme espace liminal entre un domaine public et un domaine privé genrés. Nous nous demanderons ensuite si la transgression féminine consiste à franchir la frontière du domaine privé pour investir l’espace extérieur. Pour finir, nous étudierons la représentation de scènes domestiques au théâtre comme abolition de la frontière entre privé et public, permettant ainsi une réflexion politique à plus grande échelle sur la place des femmes dans la société.

Biographie

Pauline Durin est en troisième année de doctorat à l’Université Clermont-Auvergne au sein de l’IHRIM (UMR 5317). Sa thèse, dirigée par Sophie Chiari, porte sur la représentation des femmes rebelles dans le théâtre anglais de la première modernité. Elle est l’autrice de l’article « Femmes rebelles et animalité dans le théâtre anglais de la première modernité » publié sous la direction de Florie Maurin et Elise d’Inca aux éditions Classiques Garnier en décembre 2023. Elle fait également partie d’un projet collectif de traduction de The Tragedy of Mariam d’Elizabeth Cary au sein du séminaire Epistémè, dirigé par Aurélie Griffin à la Sorbonne Nouvelle.

Beatrice Fuga
Université Sorbonne Nouvelle
beatrice.fuga@sorbonne-nouvelle.fr

LIMINAL GENRES, LIMINAL SPACES. THE DEPICTION OF THRESHOLDS IN MATTEO BANDELLO’S NOVELLE (1554) AND THEIR FRENCH AND ENGLISH TRANSLATIONS

Abstract

The Renaissance novella is a genre that occupies a liminal space, a space that allows for a permeability between oral and written forms, between fiction and history. Within this liminality, one of the main leitmotifs of Matteo Bandello’s Novelle is the questioning of the frail separation between the public and private spaces. This theme is also noteworthy in the French and English translations of the Italian text: in the Histoires tragiques (1559), The Palace of Pleasure (1566) and the Tragicall Discourses (1567), the home and its possible invasion are a recurrent element of the narrations. Doors are depicted as ambiguous elements that invite the exterior world to participate in the private life of a household, but they can also be shut in order to protect what lies inside. A window’s primary function, on the contrary, is to let those who inhabit the house interact with the exterior when they wish to. In the Novelle, the core of many of the plots is based upon the breakability of this frontier, which may represent a menace, but it also gives the propulsion to the story. On the contrary, Bandello’s translators – Pierre Boaistuau, François de Belleforest, William Painter, and Geoffrey Fenton – warn their readership against any infringing of this barrier, which is both physical and symbolic. Through the analysis of a few passages of the Novelle and their translations, I wish to explore these authors’ growing concern for the liability of those boundaries that should separate the public and private spheres, and the guidance they offer to their readers in order to prevent this danger.

Biography

Beatrice Fuga is a PhD student and ATER at the Université Sorbonne Nouvelle. Her research revolves around the reception of Italian novelle and the role of translation in cultural relationships in early modern Europe. She has published articles on the reception and adaptation of Italian Renaissance culture and texts, and on Italian pastoral drama. She is the co-editor of the forthcoming publication Moralising the Italian Marvellous, in Routledge’s series ‘Anglo-Italian Renaissance Studies’ (2024).

Nora Galland
Université Côte d’Azur
nora.galland@hotmail.fr

GALLATHEA/GALATEA: QUEER LOVE, OR TRANSCENDING CISGENDER
HETERONORMATIVITY ON PAGE & IN PERFORMANCE

Abstract

John Lyly’s Gallathea (1592) and the 2023 production of Galatea adapted by Emma Frankland and Subira Joy address queer love and transcend cisgender heteronormativity through different dramatic strategies to challenge labels and gender roles defined by patriarchy. In this paper, I argue that the gender trouble created on page and in performance is brought about by the performance of transness and the role of self-identification in the construction of one’s gender identity. There are several trans characters on stage, female characters becoming male and a male character becoming female. The fluidity of gender is also enhanced by the early modern casting of boy actors playing female roles. Being born as cisgender female, Gallathea/Galatea and Phillida’s love story is also introduced as a lesbian romance which is also approved by Venus herself. If the play reminds us that love is love, the ending is enigmatic as regards the meaning of the sex change offer. Is it a way to promote queer empowerment or is it a way to reinforce heteronormativity? Venus’s offer is the promise of a transition from female to male and may be understood as trans hope and so heterosexual love. However, the denial of the sex change – it does not actually happen – may also be understood as lesbian hope and so homosexual love. Drawing from critical race theory, queer and emotrans studies, this paper posits that Gallathea/Galatea are plays which go beyond the heteronormative patterns to redefine love as queer, whether involving transness or lesbianism. The plays embrace in-betweenness and inconstancy to show that (human) nature is not confined and contained, but overflowing and intrinsically unstable. 

Biographie

Nora Galland est maîtresse de conférence en littérature britannique des XVIe-XVIIe siècles à l’université Côte d’Azur et rattachée au CTELA UPR 6307, le Centre Transdisciplinaire d’Epistémologie de la Littérature et des Arts Vivants. Elle s’intéresse aux PCRS (Premodern Critical Race Studies), à la violence verbale, en particulier les injures, et plus globalement aux rapports de pouvoir quant à la construction de l’identité et de l’altérité (race, classe, genre, handicap, sexualités) ainsi qu’aux adaptations contemporaines des pièces de Shakespeare et de ses contemporains. Son dernier article « German Hermeneutics of Racecraft in Thomas Ostermeier’s Othello » vient d’être accepté pour publication par Shakespeare Survey.

Jeanne Mathieu
Université Toulouse -Jean Jaurès
jeanne.mathieu2@univ-tlse2.fr

« THOSE THAT TO US HERE, ARE TH’ANTIPODES » :
LA FRONTIÈRE CONFESSIONNELLE DANS THE WHORE OF BABYLON DE THOMAS DEKKER

Résumé

Cette citation tirée de la pièce de Thomas Dekker, The Whore of Babylon, nous invite à réfléchir sur les frontières physiques se mettant en place au cours de la première modernité et résultant de la fracture confessionnelle entre catholiques et protestants. Les antipodes sont en effet, étymologiquement, un endroit physiquement opposé au lieu où l’on se trouve. Ainsi, cette communication s’intéressera à la représentation de la portée géographique du conflit religieux dans l’œuvre de Thomas Dekker, pièce jouée pour la première fois sur scène en 1606 et caractérisée par la présence d’une rhétorique de la spatialisation. Sur scène, les deux confessions sont représentées comme évoluant au sein d’espaces totalement étanches et hermétiques, témoignant d’un désir de créer une communauté religieuse qui coïnciderait l’espace national.

Nous analyserons donc la géographie scénique et scénographique du clivage religieux dans cette pièce qui met en scène à la fois Marie Ire et Elisabeth Ire, le Royaume de Babylone et l’Angleterre, et qui semble placée sous le signe de la fragmentation. Puis nous nous intéresserons au franchissement de cette frontière à travers les modes de traversée possibles. Nous verrons en quoi le bannissement peut être vu comme un processus de déterritorialisation (parfois à rapprocher de l’errance spirituelle) qui cherche à étanchéifier la frontière avant de nous intéresser à la représentation de la tentative d’invasion de l’Armada qui aboutit à une nouvelle carte européenne mentale des confessions. Enfin, nous analyserons le motif du réseau souterrain et la représentation de la frontière côtière sans cesse menacée et parfois franchie, car, comme la pièce le suggère paradoxalement, le territoire ne peut être que fantasmé comme insulaire.

Biographie

Jeanne Mathieu est maîtresse de conférences en études de la Renaissance anglaise à l’Université Toulouse-Jean Jaurès. Elle s’intéresse aux modalités linguistiques de représentation de la controverse religieuse sur scène et, notamment, dans des corpus dits « mineurs ». Elle a récemment publié un article intitulé « Inter-confessional negotiations in Thomas Dekker and Philip Massinger’s The Virgin Martyr (1622): Truce as Disputation » (Early Modern Literary Studies 30, 2022).

Barbara Muller
Université de Lorraine
barbara.muller@univ-lorraine.fr

LA MÉTAPHORE COMME DÉPLACEMENT DU SENS :  DES PRESCRIPTIONS RHÉTORIQUES À L’USAGE DE CETTE FIGURE DANS LE THÉÂTRE SHAKESPEARIEN

Résumé

Le terme de metaphora, employé dans les traités de rhétorique de l’Antiquité est lui-même métaphorique :  il signifie « transport » ou « déplacement ». La figure est alors envisagée, dans son mode de fonctionnement, comme une dynamique spatiale. Les traités de rhétorique anglais de la Renaissance héritent de cette définition et plus précisément de la définition latine de Quintilien qui présente la figure comme déplacement (translatio) du sens propre d’un mot à son sens impropre. Dans The Arte of English Poesie (1589), George Puttenham qualifie la métaphore de « figure of Transporte ». De même, d’autres rhétoriciens tels que Richard Sherry, Henry Peacham, ou encore Sir John Hoskins s’inspirent de Quintilien et emploient le terme de « translation », qui, à la Renaissance, renvoie bien à l’idée de « déplacement »  (OED II). L‘idée de frontière est également invoquée puisque les figures de style en elles-mêmes sont qualifiées de « trespasses in speach » (Puttenham). En effet, elles impliquent de transgresser la frontière qui sépare le discours littéral (« the ordinary limits of common utterance ») du discours figuratif. Toutefois, cette incursion dans le mode figuratif ne doit pas enfreindre les règles du decorum, telles qu’elles sont définies dans les traités. Les rhétoriciens abhorrent notamment ce qu’ils appellent les « far-fetched metaphors », expression qui renvoie à nouveau à la spatialité : il ne faut pas « chercher trop loin » la métaphore sans quoi la figure est ratée. L’objectif est de définir et de circonscrire ces « far-fetched metaphors » telles qu’elles sont présentées dans les traités de rhétorique. Puis de montrer que Shakespeare, dans son théâtre, joue des prescriptions des traités de rhétorique,  notamment dans l’usage qu’il fait des métaphores mixtes ou des concetti. Pour ce faire, nous emploierons une technique linguistique baptisée MIPVU, développée par le Pragglejaz Group (VU Amsterdam), dans laquelle la métaphore est, tout comme à la Renaissance, envisagée comme figure de déplacement du sens.

Biographie

Barbara Muller est maître de conférences au laboratoire IDEA (Interdisciplinarité dans les Études Anglophones) de l’Université de Lorraine. Ses activités de recherche portent sur la littérature anglaise de la Renaissance (poétique, rhétorique, théâtre) avec un intérêt tout particulier pour le théâtre shakespearien. Sa thèse de doctorat, soutenue en décembre 2016, explore les enjeux des métaphores dans les romances shakespeariennes à la lumière des traités de rhétorique anglais du XVIe siècle.

Alice de Nanteuil
Université de Rouen Normandie
alice.de-nanteuil@univ-rouen.fr

“THROW PRICKING THORNES, THROW WATER & THROW FYRE” : MAPPING OUT THE AFTERWORLD IN ELIZABETH MELVILLE’S ANE GODLIE DREAME / CARTOGRAPHIER L’AU-DELÀ DANS ANE GODLIE DREAME D’ELIZABETH MELVILLE

Résumé

Cette communication suggère d’explorer le long poème religieux de l’écossaise Elizabeth Melville, Lady Culross (~1603-1630), dans lequel elle cartographie les reliefs et frontières de l’au-delà et du purgatoire. Ce poème, s’inscrivant dans la tradition médiévale de la vision onirique (dream-vision), est un appel désespéré en défense au presbytérianisme, fortement réprimé en Écosse à l’époque de la première modernité. Au cours des quelques 470 vers de ce texte, Jésus guide la narratrice à travers un chemin semé d’embûches, par les monts et les vaux, par les rivières et les déserts du monde ravagé de l’au-delà. Franchir ces obstacles permet à la narratrice de finalement atteindre la terre promise, le paradis, et d’ainsi émerger de son rêve. Ce texte est traversé de limites réelles et rêvées, de frontières dépassées et redessinées : en cartographiant l’au-delà, Elizabeth Melville définit également son propre monde poétique. Tout d’abord, je m’intéresserai à la matérialité et à la production de ce poème. Elizabeth Melville est la seule femme écossaise du XVIIe siècle donc les écrits ont été imprimés. Je me demanderai si le dépassement de cette limite, pourtant presque infranchissable pour les femmes de cette époque, est de l’ordre de la transgression ou de l’exception. L’accès à l’imprimé décloisonne l’œuvre de Melville de façon significative, faisant d’elle l’autrice écossaise la plus populaire de son temps.

Ensuite, je m’attacherai à étudier les frontières génériques de cette vision onirique, dans ce poème qui s’articule de façon spatiale, en équilibre entre le monde stérile d’ici-bas et les arides paysages de l’au-delà. Alors que le genre de la vision onirique se retrouve chez plusieurs femmes de lettres du XVIIe siècle car jugé plus convenable, Melville investit activement les limites de ce genre pour remettre en question les restrictions de celui-ci.

Enfin, cette communication se penchera plus précisément sur le traitement poétique des éléments géographiques tels qu’Elizabeth Melville les dessine dans son texte. La qualité presque cartographique du poème permet à l’autrice de donner au monde rêvé de l’au-delà un caractère concret et alarmant, qui renforce le poids des arguments presbytériens qu’elle formule à la fin du poème.

Sources :

Melville, Elizabeth. Ane Godlie Dreame, Compylit in Scottish Meter Be M. M. Gentelwoman in Culros, at the Requeist of Her Freindes. Edimbourg: Printed by Roger Charteris, 1603.

Reid-Baxter, Jaimie. ‘Elizabeth Melville, Lady Culross: 3500 New Lines of Verse’. Dans Woman and the Feminine in Medieval and Early Modern Scottish Writing, édité by Sarah Dunnigan, C. Marie Harker, and Evelyn S. Newlyn, 195–200. Basingstoke: Palgrave Macmillan, 2004.

Travitsky, Betty et Anne Lake Prescott (eds.), ‘Chapter 12: Elizabeth Melville Colville of Culross Visits the Afterworld’. Dans Female and Male Voices in Early Modern England: Anthology of Renaissance Writing. New York: Columbia University Press, 2000.

Biographie

Alice de Nanteuil est doctorante contractuelle à l’Université de Rouen Normandie. Agrégée d’anglais en 2020 et diplômée de l’ENS de Lyon, elle commence sa thèse auprès de Claire Gheeraert-Graffeuille en septembre 2023. Ses recherches proposent une approche transversale sur les voix des femmes en Irlande et en Écosse, à l’époque de la première modernité (XVIe –XVIIe siècles). Longtemps ignorés de par leur aspect clairsemé, c’est en les étudiant conjointement, à la fois en Irlande et en Écosse, que les écrits et productions des femmes gaéliques de cette période entrent en résonance et s’établissent en tant que réelle tradition influente et non-isolée.

Ladan Niayesh
Université Paris Cité
niayesh@univ-paris-diderot.fr

BORDERS AND MEMORIES IN CORIOLANUS

Abstract

This paper will study in-between spaces in Coriolanus, where identities and the characters’ memories are lost and found. These will be examined in relation to  some editorial choices I am making to annotate the play in my forthcoming edition of the play for Arden 4.

Biography

Ladan Niayesh is Professor of early modern English studies at Université Paris Cité and a member of the LARCA research centre (UMR 8225, CNRS). Her research focuses on receptions of Persia and the East in English travel writings and drama. Some past publications include Three Romances of Eastern Conquest (MUP, 2018) and the co-edited Eastern Resonances (Palgrave, 2019). She currently co-edits the documents related to the Sherley brothers’ diplomatic missions to and from Shah Abbas I of Persia for the Hakluyt Society.

Estelle Rivier-Arnaud
Université Grenoble-Alpes
estelle.rivier-arnaud@univ-grenoble-alpes.fr

SCÉNOGRAPHIES SHAKESPEARIENNES : ESPACES REPENSÉS, LIMITES DÉPASSÉES

Résumé

Étudier la scénographie théâtrale, c’est considérer « l’organisation, l’agencement de la scène » (définition B du CNRTL), c’est aussi la penser telle « une dramaturgie de l’espace » (Jean Hermann[1]) ou encore « l’orchestration spatiale d’un spectacle », ce que Jacques Poliéri[2] nommait autrefois « sémiographie ». Plus récemment, à la suite des travaux de Luc Boucris ou d’Anne Surgers pour n’en citer que deux, on la définit comme l’art de mettre en forme « l’espace de la représentation », espace qui ne se réduit pas à la scène dont elle repousse ou enfreint sans cesse les limites.

Shakespeare situe l’intrigue de ses pièces dans de multiples géographies qui dépassent autant les limites du territoire britannique que celles du plateau scénique. Il lance un défi permanent à l’inventivité du scénographe lequel, même dans un théâtre de facture élisabéthaine doit toujours redoubler de créativité pour situer la fable dans son contexte tout en échappant aux lois du naturalisme et du figuratif.

Dans le cadre de cette communication, on s’interrogera sur le déplacement de la frontière spatiale du plateau comme dépassement de l’espace scénique. On le considérera comme l’expression du débordement de la limite du lieu théâtral, et comme le moyen de générer un espace à géométrie variable dès lors qu’il s’agit de dramaturgie shakespearienne. Afin d’illustrer cette réalité grandissante, on prendra pour référence le Richard II mis en scène par Christophe Rauck, le Mesure pour Mesure immersif de Léonard Matton, le Hamlet d’Audrey Bonnet, trois mises en scène présentées en plein air l’été dernier en France (2023).

[1] Jean Hermann, « Pour un espace-scénario », Actualité de la scénographie, n° 8, déc. 1978.

[2] Jacques Poliéri, Scénographie, Sémiographie, édition Denoël, 1971.

Biographie

Estelle Rivier est professeur à l’université de Grenoble-Alpes dans la section Études anglophones qu’elle codirige. Elle est membre du laboratoire de recherche ILCEA4 au sein duquel elle est co-responsable de l’axe transversal Création Culturelle et Territoires et directrice de la revue Représentations dans le monde anglophone). Sa spécialité est le théâtre de la première modernité, notamment la scénographie des pièces de Shakespeare aux XXe et XXIe siècles, mais aussi la recherche-création où elle contribue à plusieurs projets actuellement (théâtre immersif et traduction). Ses deux dernières éditions d’ouvrages sont Mises en je(u) de Hamlet, Prince of Denmark, PUN, coll. Intercalaires-Agrégation, octobre 2023 et King Lear, une œuvre inter- et pluri-médiale, Marie Nadia Karsky (co-ed.) RMA N°27, 13 décembre 2023. Ouvrages à paraître : If that an eye may profit to a tongue. Numéro Shakespeare de la revue Rubriques (Utpictura18), Jean-Louis Claret, Anne-Valérie Dulac (co-eds.) et une monographie : The Reinvention of Hamlet by our Contemporaries: Excavating the Unknown (LPH, 2024).

Louise Roszak
Université Paris Cité
roszak.louise@gmail.com

‘I AM NOT WHAT I AM’:
CROSSING GENDER AND (DE)CONSTRUCTING CATEGORIES IN TWELFTH NIGHT

Abstract

At first glance, Twelfth Night bases its received ideas of manhood and womanhood on a set of stereotypes despite centring its action on a cross-dressing heroine overstepping those boundaries. Dressed as a boy page, Viola’s voice is still referred to as a “maiden’s organ” (1.4), and she is shown to be limited in her impersonation of masculinity: she is incapable of reciprocating Olivia’s feelings and fails at fighting Aguecheek in a duel, when Sebastian can do both. In a figurative sense, the ‘border’ between masculinity and femininity therefore seems to be upheld in Shakespeare’s play insofar as they are treated as two ends of a physical and behavioural spectrum. However, Viola/Cesario demonstrates that these categories are not so airtight. She willingly crosses gender identity and social status to disguise herself as a boy page sent to woo Olivia in Orsino’s name, but still shows signs of her heterosexuality and femininity whenever her mask slips. This presentation will explore how the theme of identity confusion in Shakespeare’s Twelfth Night challenges social and gendered boundaries by demonstrating that they rely on stereotypes that can be impersonated. Sean Holmes’ adaptation of the play at Shakespeare’s Globe in 2021 went one step further thanks to its use of the method of blind casting. Several roles were cross-gender (Feste, Malvolio, Fabian and Valentine) and Toby Belch was played, for the first time, by a Black British actress (Nadine Higgin). This production thus played with the expectations of the audiences by presenting them with stereotypical renditions of archetypal characters that did not match the body they were faced with.

Biography

Louise Roszak is an alumna of the Ecole Normale Supérieure de Paris Saclay. She obtained her agrégation in English in 2021, and is currently writing her PhD under the supervision of Ladan Niayesh at Université Paris Cité, while holding a doctoral contract with the LARCA (UMR 8225) research centre. Her research work focuses on post-gender adaptations of Shakespeare from theatrical staging to hyper-contemporary media. A sample of her previous work has been published in a chapter, “‘Frailty, thy name is Hamlet’: Androgyny and the Unheroic Revenger”, in Mises en je(u) de Hamlet, Prince of Denmark, edited by Estelle Rivier-Arnaud in September 2023.

Elisabeth Szanto
Sorbonne Nouvelle
elisabethmarie.szanto@gmail.com

“CRUEL IRRELIGIOUS PIETY”: THE BLURRED BOUNDARIES BETWEEN CRUELTY AND PIETY IN SHAKESPEARE’S TITUS ANDRONICUS

Abstract

This paper seeks to focus on the narrow, sometimes obscure boundary between religious piety and human cruelty that was central to the religious conflicts of the early modern period. Amongst Shakespeare’s plays that broach religious issues related to the Reformation and the early modern break down between cruelty and piety head-on, one might mention Hamlet. But other plays, including Shakespeare’s early tragedy, Titus Andronicus, and his comedy The Merchant of Venice, address these conflicts more surreptitiously.

In Titus Andronicus, Alarbus’s opening ritual sacrifice “ad manes fratrum” (TA 1.1.98) is viewed, on the one hand, by the Romans, led by Titus and his sons, as a sacred act that must be accomplished “t’appease their groaning shadows that are gone” (TA 1.1.127), to honour the Roman dead and the gods. Whereas for the vanquished Goth enemies, it is perceived as a “cruel irreligious piety” (Tamora, TA 1.1.130). Throughout the play, this founding sacrifice is mimetically repeated in ‘profane’ rituals, when Lavinia is dismembered and her tongue cut out, her brothers beheaded and Titus behanded. As an epitome of this vindictive emulation, Titus conceives of an Atreian cannibalistic banquet, where he “grind[s] [Chiron’s and Demetrius’s] bones to dust” (TA 5.2.186) and has their heads “bakèd in this pie” (TA 5.3.59).

The oxymoron “cruel irreligious piety” used to describe ‘pagan’ violence, can perhaps be taken to also refer to the internecine conflicts between Catholics and Protestants in Elizabethan England and on the Continent, as the frequent use of anachronisms in Titus Andronicus may notably suggest. The dramatic representation of the two antagonistic sides as ‘barbarous’ would then illustrate this long-lasting bloody strife evolving into a secular and personal vengeance.

The violent antagonism between Catholics and Protestants can be construed as also staged, in a lighter tone and in a later play, The Merchant of Venice. Shylock and Antonio appear both as pious in their faiths when frequently referring to their shared Scripture, even if Shylock cites from the Old Testament and Antonio trusts “the hand of heaven” and equates “kind” (MV 1.3.175) with Christian. Yet both characters exercise verbal and physical violence. In the case of Shylock, however, this violence remains only a gruesome threat (his plan, in particular, to take the “pound of [your] fair flesh” (MV 1.3.146-147) from Antonio’s bosom as his “bond” (MV 1.3.142). Shylock conceives of this vindictive ‘sacrificial’ substitution upon Antonio as a retaliation against Christian society’s constant persecution of the Jews. The absurdity of this religious conflict is perhaps suggested by the more ‘tolerant’ solution proposed by the play – the integration of the “stranger” (MV 3.2.235) Shylock into the Christian community.

I would like to argue that these plays, placed in highly different historical contexts – ancient Rome and early modern Venice – reflect, in fact, the reality of the protracted religious conflicts between different religious groups  in early modern Europe. Within this perspective, I aim to investigate how Shakespeare stages the issue of religion that creates a deep divide within society. I will thus elaborate on the omnipresent association between the affirmed piety or righteousness of the believer’s endeavor and the extreme cruelty of the act. A literal versus metaphorical interpretation of the plays’ texts may enlighten the case for the depiction of early modern religious conflicts, and Shakespeare’s suggestion of new modes of toleration beyond the divides.

Biographie

Elisabeth Szanto est actuellement inscrite en thèse en Etudes anglophones à l’Université Sorbonne Nouvelle sous la direction d’Anne-Marie Miller-Blaise. Son travail porte sur « Soundscapes, dual acoustics and echoes on the Shakespearean stage ». Elle est membre de plusieurs projets collectifs de traduction et de recherche. Elle participe notamment à la traduction et édition critique de The Tragedie of Mariam d’Elizabeth Cary, sous la direction d’Aurélie Lentsch-Griffin au sein du sous-groupe Epistémè PEARL de l’EA PRISMES, et à des projets de transcriptions d’archives manuscrites coordonnés par Guillaume Coatalen. Elle a participé à plusieurs colloques, comme ceux du Shame Network, organisés par les équipes de PRISMES EA 4398 et CREW EA 4399, ou au colloque international «La guérison dans la Grande Bretagne, l’Irlande et l’Amérique de la première modernité (XVIe-XVIIIe siècles)» à Montpellier, ainsi qu’au congrès annuel de la SAES en 2023. Elle travaille actuellement sur deux articles, sur des thématiques liées à sa thèse.

Manon Turban
Université Savoie Mont Blanc
manon.turban@hotmail.fr

« ‘THE DOG IS HIMSELF, AND I AM THE DOG’ : L’EMPATHIE ET LA DISPARITION DES FRONTIÈRES ENTRE HUMAINS ET ANIMAUX NON-HUMAINS DANS L’ŒUVRE DE SHAKESPEARE »

Résumé

Dans Titus Andronicus, The Two Gentlemen of Verona et le Sonnet 50, Shakespeare explore la possibilité d’une empathie inter-espèces. Titus ressent le chagrin d’une famille de mouches endeuillée ; Crab, un chien, est invité à partager la tristesse de ses propriétaires ; le Sonnet 50 fait circuler la mélancolie entre un cavalier et sa monture. Dans chacun de ces exemples, cependant, l’empathie inter-espèces est éphémère et s’avère bientôt impossible. 

Abordée dans ces trois œuvres de jeunesse, cette empathie condamnée suggère que la circulation des émotions ne peut faire disparaître les frontières ontologiques entre humains et animaux non-humains : jamais ils ne deviennent des égaux dans une communauté de ressenti. Il faut toutefois noter que cette mise en scène d’une empathie impossible n’est pas sans portée critique : dans chacun des cas cités, l’humain est condamné pour son incapacité à se défaire de son anthropocentrisme afin de véritablement ressentir comme et avec l’animal. Ce sont les humains, donc, qui sont présentés comme les obstacles à cette empathie inter-espèces.

Cette dimension critique amène une autre interprétation : elle pourrait chercher à susciter la révolte des spectateurs/lecteurs face aux personnages et au « je » poétique, et ainsi les inviter à adopter l’attitude opposée face aux émotions des animaux, c’est-à-dire à bel et bien ressentir ces émotions. Cette déstabilisation des frontières ontologiques, au niveau de la réception de l’œuvre, pourrait permettre de sensibiliser à la souffrance animale et de contester la supériorité que l’humain s’octroie parfois sur le reste du vivant.

Biographie

Ancienne élève de l’École Normale Supérieure de Lyon et titulaire de l’Agrégation externe d’Anglais, Manon TURBAN a dédié sa thèse à l’exploration des liens entre monstruosité et émotions dans le théâtre de Shakespeare. Écrite sous la direction de Ladan Niayesh à Université Paris Cité, cette thèse l’a amenée à proposer des communications et des publications sur des sujets divers comme l’histoire des sciences, le genre, la dramaturgie, les cartes ou encore les adaptations contemporaines, notamment mangas, du théâtre de Shakespeare. Manon TURBAN travaille à présent comme Attachée Temporaire d’Enseignement et de Recherche à l’Université Savoie Mont Blanc.